Aiutato da luci artificiali, circonda con dello spray bianco i contorni delle auto, dei semafori, delle panchine pubbliche, dei passanti o dei barboni. Al levarsi del giorno, l’ombra non c’è più, ma questi strani contorni bianchi si aggrappano al suolo di Parigi, interpellando lo sguardo dei passanti e donando alla città uno stile grafico del tutto inusuale. Subito dopo diventerà il “Pub Killer”. La serie intitolata “Visual Attack”, consiste, in un primo tempo nel manipolare in maniera simbolica le campagne pubblicitarie delle grandi firme del pret-à-porter come H&M. Per farlo, Zevs disegna con un punto rosso che cola, la fronte dei manichini che posano in vetrina.

Dopo aver idealmente “sparato” sulle top model, crea l’avvenimento con il suo “Rapimento visuale”, organizzando il sollevamento del grande cartello pubblicitario della Lavazza a Berlino posto nell’ Alexandar Platz. Sotto l’occhio delle videocamere e munito di scalpello, che Zevs scala la facciata di un immobile per rimuovere l’immagine di Lavazza a 12 metri di altezza. Il giorno successivo, i Berlinesi, hanno potuto leggere su una moltitudine di adesivi per la città “Visual Kidnapping pay now”.

Per sostenere la sua azione, Zevs invia una lettera di minaccia, alla sede del marchio italiano, interamente costituita da elementi tipografici che si rifanno ai logo e un dito tagliato dall’icona. Esige immediatamente 500.000 euro, la somma che corrisponde al budget di una campagna pubblicitaria. Per tre anni, l’icona viaggerà in varie gallerie all’estero e per due anni sarà tenuta in ostaggio nelle lugubri catacombe parigine. Il filone del “rapimento” sarà ugualmente diffuso in gallerie e tra gli altri al Museo di arte contemporanea parigine Le Palais de Tokyo. E’ chiaro che questa serie di performance vuole essere provocatrice e veicolare con se un messaggio di denuncia. Zevs protesta con forza contro la mercificazione dello spazio pubblico e dunque altera la lettura dei messaggi pubblicitari con il suo intervento. Malgrado tutto, devo ammettere che quando ho scoperto questa parte del suo lavoro, sono stata colpita dalla violenza, la collera, ma anche dall’audacia e l’opportunismo che dimostra. Non posso non vedere in questo un’ attitudine ambivalente.

La lotta tra Davide e Golia è un’azione puramente di marketing o nuova forma d’arte contemporanea? Zevs ha detto durante un’intervista: “La pubblicità regna sull’universo di immagini urbane. Ha un potere attrattivo potente. Come in Aikido, io utilizzo questa forza a mio vantaggio”. Utilizzando le campagne pubblicitarie delle sue “vittime”, diffuse ovunque, visibili ed identificabili da tutti, non ha utilizzato la stessa strategia di mercificazione dello spazio pubblico utilizzandola a suo vantaggio e poi esponendola nel circuito dell’arte? I “Visual Attack” sono il cuore del lavoro di Zevs oggi. Dopo il 2006, si è focalizzato sui loghi delle grandi multinazionali. Comincia con l’utilizzare quelli di Nike, Coca Cola o MacDonald per poi consacrarsi a quelli del lusso. La tecnica è semplice, creare immagini e colori sui loghi presenti nel paesaggio urbano.

Lui li snatura, donandogli una nuova identità, tanto a livello visuale che simbolico trasformandoli in propri segni di riconoscimento. È sempre con questo spirito provocatorio che lo caratterizza, che all’inizio del 2009, Zevs sbalordisce nuovamente. Questa volta il suo attacco è rivolto al più famoso dei motori di ricerca. L’idea è geniale. Crea il suo sito internet utilizzando nome e grafica di Google con la sola differenza di liquificarne il logo. I segni sono confusi, il che lascia l’utente di internet che lo consulta frastornato per qualche secondo: “Mi trovo per caso su Goolge?”.

Nonostante sia molto presente nei musei, la strada resta il suo terreno prediletto. Non è forse questa la più grande vetrina ed il migliore vettore per imporre il suo lavoro al grande pubblico? Zevs infatti, ne ha fatto le spese quest’estate. Invitato ad esporre all’Art Gallery di Hong Kong, si è fatto arrestare dalla polizia cinese mentre stava istallando un autoreggente Chanel sulla vetrina di un negozio Armani. Questo è considerato un atto di vandalismo in Cina. Le autorità non vedono in tale azione alcun aspetto artistico. La conclusione della questione sembrava incerta. Ma alla fine si è risolta più con spavento che con un danno per l’artista francese che se l’è cavata con due settimane di prigione e due anni con la condizionale. La storia non parla dei due cinesi che lo avevano accompagnato nella sua disavventura e della sentenza che hanno dovuto subire a causa sua. Zevs, infine, resta una delle figure più importanti della street art francese, uno di quelli che ha contribuito alla fama di questo filone dell’arte contemporanea continuando sempre a sorprendere il pubblico. Secondo me, è maestro nell’arte del gioco e della manipolazione capace di utilizzare e trasformare con finezza tutto ciò che la nostra società contemporanea gli offre: lo spazio urbano, la moda, la pubblicità, i media e la violenza gratuita.

Il suo sito web gzzlz.com

Si rigrnazia Giuseppe Di Paola per la traduzione dal francese.

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Non volendo arrivare totalmente impreparata a questa esposizione, ho voluto conoscere la definizione di questo termine dal suono un po’ barbaro: “si tratta di un’arte contemporanea che senza schermo, senza elettricità e senza reti non esisterebbe”. Acquisita la definizione, la mia prima riflessione è stata quella di chiedermi perché abbiamo questo bisogno viscerale di ferire gli artisti associandoli ad una pseudo corrente al solo fine di dargli una sorta di legittimità?
Il vernissage ha avuto luogo al “Chat Perhé” a Strasburgo, un grande lounge bar terribilmente contemporaneo con la sua linee pulite, le mattonelle nere al muro e le luci attentamente studiate. Il “Chat Perhé” è molto conosciuto per le sue serate esplosive e per il fatto che vengono spesso ospitati gli artisti della regione.

È in un ambiente di festa e disteso quello in cui ho incontrato Claude Fischer, che mi ha fatto scoprire le sue creazioni spiegandomi il suo metodo di lavoro. Originario di Strasburgo, Claude Fischer ha una quindicina di anni d’esperienza nella progettazione grafica e nella direzione artistica. Bulimico d’arte contemporanea sotto tutte le forme, musica, architettura, moda e design percorre le grandi città della Francia e d’Europa in cerca d’ispirazione. È in questi giri notturni che raccoglie una folla di clichè eterogenei che presto o tardi servono ad alimentare i suoi lavori professionali e personali. Ciò che mi ha immediatamente sedotta nei suoi quadri sono i colori aciduli che ricordano lo spirito dei manga giapponesi. Rosa fucsia, verde anice, blu marino…, una vera ghiottoneria “visuale”. Solo dopo mi sono soffermata sulle immagini. Un pò di foto alla moda degli anni ’40, una ballata degli anni ’60 in omaggio a Twiggy, un caleidoscopio che rimanda a forme femminili, in breve, delle opere che marcano incontestabilmente lo spazio e lo sguardo.

Claude sembra voler perseguire delle idee simili alla corrente pop art basata sullo sconvolgimento delle immagini e sulla ripetizione. Le sue creazioni si evolvono in più dimensioni retro chic, epoche rivoltate, modernismo etc..La singolarità del suo lavoro risiede nell’utilizzo sottile di tecniche tradizionali artigianali (raschiatura, pittura, fotografia, fotocopia, ritaglio di vecchi giornali) mischiate all’uso della tecnologia digitale (illustrazioni, fotomontaggi, bug informatico). È con questa associazione che da vita a delle immagini particolari che possono qualificarsi come ibride. Questi ibridi risultano tanto in un assemblaggio composto da diversi elementi che in un “incidente informatico”.
Di questi “bug”, Claude, ha fatto la sua tecnica personale. Esplora tutte le possibilità che le sue macchine gli consentono di fare, unendo al cuore dei suoi computer supporti cartaceo creati in precedenza.
Io non so dire esattamente se gli ibridi di Claude mi sono piaciuti, per il fatto che si accordassero perfettamente col luogo dell’esposizione o in quanto belle in se. In tutti i casi, ho trovato un insieme di immagini fresche, dinamiche e frizzanti che in un batter d’occhio, in un epoca evoluta mi ha reso un po’ nostalgica. Infine, Claude è un personaggio colorito, strampalato e generoso.
Alla fine posso dire che come tutte le correnti “l’arte elettrica” è solo la testimonianza di un’epoca alla quale si è voluto dare un nome.

Per saperne di più su Claude Fisher

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Eleganza, champagne, glamour e spensieratezza, ecco le belle parole che risuonano nelle mie orecchie come una potente sinfonia. Ma in questi tempi piuttosto cupi difficilmente ho l’occasione di suonare questo tipo di partiture. Contro tutte le attese, il concerto si è fatto nuovamente sentire sotto la forma di un invito ad una serata dal titolo strano e misterioso: Serata Trash Romance a Strasburgo organizzata da una certa Pop Eleganz. L’invito sembrava promettente, “per una serata unica, chic e diversa, basata sul glamour di tendenza”. Il tutto destinato ad un pubblico capriccioso, incapace di scegliere tra il proprio romanticismo ed i propri demoni interiori.

Il luogo della festa non è stato comunicato e non sarà svelato che 48 ore prima dell’inizio dei festeggiamenti.
Le informazioni in mio possesso erano minime: che la festa si sarebbe svolta in un ambiente sorprendente, un fotografo anticonformista sarebbe stato presente per esporre le sue foto, che i dj non avevano etichette commerciali e infine che ci avrebbero servito dello champagne durante tutta la notte. L’ultimo punto non è da sottovalutare. Infatti, io sono francese e quindi faccio di quel bere di bollicine una vera arte di vita. Un solo obbligo ci è stato fatto: rispettare rigorosamente il dress code che imponeva il tema della serata. In due parole, un’eleganza sulfurea. La signorina Pop Eleganz ha attirato la mia curiosità e mi sono lasciata prendere dal gioco. Nei 15 giorni precedenti le informazioni arrivavano col contagocce per email. Tutte erano accompagnate da una serie di foto deliranti che ricordavano il tema: Trash Romance. La provocazione era orchestrata perfettamente ed ha suscitato curiosità ed fermento nella nostra piccola comunità. Sabato 16 maggio direzione Strasburgo, garage ALFA ROMEO. Un garage come un luogo di festa, dopo tutto, perché no.

Ore 23.00. Arrivo. Appena entrati, osservate da due gorilla in costume ben tagliato, eccomi immersa nell’irreale. La prima cosa che mi ha colpito sono stati gli invitati.Gli uomini sembravano dei veri dandy moderni esitanti tra l’andatura preziosa di un Dorian Gray e il rock and roll glamour di Ziggy Stardust. Le donne erano sublimi, tutte uscite da una rivista dal tema molto eclettico. Si passava dall’icona trash feticista alla femme fatale ultra glamour. Ognuno dei convenuti aveva adattato il tema secondo la propria percezione del “trash romance” e malgrado tutto le varianti restavano sbalorditivamente armoniose. Con la mia prima coppa di champagne tra le mani sono partita ad esplorare questo immenso campo di gioco. L’atelier meccanico era stato totalmente trasformato. Ora c’era un grande studio fotografico improvvisato dove si trovava l’invitata della serata, Nina Roberts. La vecchia star aveva organizzato quello che lei chiama un “Trash Photoshooting Live”. Armato solo del suo apparecchio fotografico, Nina ci ha fatto posare nel mezzo di pezzi smontati, di banchi da lavoro e di una vecchia vasca da bagno.

Gli invitati si sono lasciati guidare dalla fotografa per una serie di foto che andavano da donne sanguinanti in una vasca da bagno a pose sexy in auto di alta classe. Lo studio era aperto a tutti. Una sola parola d’ordine: seguire l’artista. Oltre a Nina, altri 8 fotografi e 2 cameraman erano presenti. Durante tutta la serata, alcuni ci fotografavano dal vivo, mentre altri ci proponevano pose non sempre politicamente corrette. L’ambiente era leggero e totalmente disinibito. Nella sala principale, lo stesso effetto che nell’atelier. Tutto era completamente trasformato. Troneggiava un palco e un enorme bar era stato installato per l’occasione. Binari metallici ricoprivano il soffitto dove erano agganciati immensi lampadari moderni. Dei condizionatori erano stati ugualmente montati per meglio accogliere, più tardi, attraenti ballerine. Nella prima parte della serata abbiamo avuto il piacere di ascoltare un live vocale electro soul. Momento piacevole che ci ha permesso di fare conoscenza, apprezzare la retrospettiva delle foto di Nina Roberts e di esplorare ancora i luoghi.
Dopo un originale di show di acconciatura, i dj hanno iniziato a mixare la loro musica. E quindi tra la musica house e lo shooting fotografico, le 500 persone presenti hanno danzato fino al mattino.

Per la prima volta dopo molto tempo, nessuna parola come crisi, elezioni europee, politica, antisemitismo sono state pronunciate. Nessun dibattito e nessuna polemica.
Ci sembrava di essere in un’altra dimensione. Durante tutta la serata, eravamo li per vivere una nuova esperienza, lontano dal nostro quotidiano e soprattutto lontano dalle nostre serate stereotipate. Ognuno ha indossato l’identità che più gli aggradava. Il trucco, l’abbigliamento eccentrico rendevano impossibile l’identificazione delle classi sociali presenti. Eravamo insieme, mescolati e con lo scopo di fare festa diversamente. In cosa sarebbe diverso, mi chiederete, dalle serate “in maschera” che tutti conoscete o dalle serate con una qualche dimensione artistica?
E bene, gli invitati erano di volta in volta opere d’arte o artisti. Ed è proprio qui la grande ingegnosità degli organizzatori. L’atto della creazione è stato eseguito dal vivo, sviluppandosi al ritmo della serata secondo le voglie dei protagonisti. Centinaia di foto sono state scattate, alcune classiche, altre originali o meglio trash. Ma tutto a vocazione artistica fatto da appassionati che hanno approfittato dell’opportunità per lasciare sfogare la loro immaginazione sfrenata.Con un po’ di distacco, mi sembra che questa immensa messa in scena ha permesso a tutti di guadagnare in singolarità durante quelle ore e di avere l’illusione di uscire dalla massa, della quale, si voglia o no, tutti facciamo parte.

Il resto dello shooting nel photoblog.

Per avere maggiori info: popeleganz.com

[ abbiamo sempre avuto un debole per questo genere di serate, se vuoi raccontarci la tua sai come contattarci]

Gironzolando su internet, qualche settimana fa, ho scoperto questa notizia per me sbalorditiva : « il museo del Grand Palais di Parigi apre le sue porte ad una esposizione sull’arte urbana e più precisamente sul TAG ». Inizialmente, le parole esposizione, Grand Palais e TAG mi parevano piuttosto contrastanti. Come ha potuto il TAG, affresco urbano ed effimero, ritrovarsi in un grande monumento storico come il Grand Palais? La curiosità e la mia attrazione per questi tesori della strada mi hanno fatto prendere il primo aereo in direzione Parigi per saperne di più. La prima cosa che mi ha sconvolto entrando nella sala della esposizione è stata la vivacità dei colori. Dei veri fuochi d’artificio hanno ipnotizzato  il mio sguardo. Passata la vertigine ho realizzato che mi trovavo nel bel mezzo di un museo di fronte a dei graffiti su tela e all’esasperazione dell’estetismo.

In effetti, siamo ben lontani dai TAG che siamo abituati a vedere  sulle facciate delle metropolitane o quelli sui muri dei palazzi. Lì non si ha che un’invidia, possedere l’opera. All’origine di questo progetto, un uomo: l’architetto Alain-Dominique Gallizia.  Adepto della street art “ha voluto fare una raccolta di opere e metterle al riparo dal tempo”.

In 3 anni, Alain-Dominique Gallizia, ha raccolto 150 TAG artists e graffittari internazionali che hanno creduto fortemente in questo inedito progetto. Da questa collaborazione sono nate 300 opere con un tema comune: l’amore. Oltre al fatto che l’esposizione permette all’arte urbana di entrare nella storia dell’arte in modo concreto, essa permette soprattutto ai TAG artists di ritrovare la loro dignità. Trattati come vandali ieri, oggi sembrano avere un nuovo status: quello di artisti di un nuovo genere  riconosciuti finalmente dal mondo dell’arte.

Il resto delle foto nella sezione PICS

dalla nostra corrispondente francese – Solana Dolores –

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